A hét zenésze:

Joanne Shaw Taylor - A blues új hercegnője

Olvasóim már megszokhatták, hogy időről-időre bemutatok az oldalon olyan új előadókat, akik később nagy sikerre vihetik a szakmában. Mai vá...

A következő címkéjű bejegyzések mutatása: rockmagazin. Összes bejegyzés megjelenítése
A következő címkéjű bejegyzések mutatása: rockmagazin. Összes bejegyzés megjelenítése

3 nap béke és zene - Woodstock nyomában

1969 Amerikájában járunk, amikor hódított a hippimozgalom és a drogok. A fiatalok életét a rockzenében megtalált lázadás, a szabad szerelem és a háborúellenesség jellemezte. Ekkor rendezték meg a 3 napos Woodstocki fesztivált, amelyet a szervezők a "Béke és zene" jelszavakkal hirdettek meg. A rendezvény végül hatalmas szenzáció lett. Max Yasgur 600 holdas farmján 500 000 fős tömeg gyűlt össze. Így lett a woodstocki fesztivál minden idők legnagyobb tömegét vonzó rendezvénye. A fesztivál ezzel legendává avanzsálódott a popkultúrában, és bár sok dolog ismeretes róla, máig maradtak érdekes feljegyzések róla. A Rockblokk most feltárja Woodstock elfeledett történéseit.

A Woodstocki fesztivál indulásának időpontja: 1969. augusztus 15. volt, és augusztus 18.-áig tartott. Eredeti neve Woodstock zenei és művészeti vásár volt. Jelszavával, ami a 3 nap béke és zene volt, a hippik óriási tömegét sikerült mozgósítania. A híres fesztivál megrendezési helye a Sullivan megyei White Lake volt, azon belül is egy Max Yasgur nevű illető 600 holdas farmja. Azt azonban csak kevesen tudják, hogy a fesztivál eredetileg nem ezen a helyszínen lett volna. A szervezők eredetileg Walkill városát célozták meg, ám a település nem sokkal a fesztivál indulása előtt visszavonta szervezési jogát. Így maradt Bethel városa, ahová a szervezők a rossz időjárási viszonyok miatt nem vártak túl sok embert. Igencsak meglepődhettek, ugyanis Max Yasgur farmján fél millió hippi gyűlt össze, ami a koncertsorozat elején teljesen megakasztotta a hatóságokat. Az 500 000 fős tömeghez több mint 800 rendőrt kellett kirendelni, később további 200-at. Ekkora tömegre senki sem számított, főleg úgy, hogy a fesztivál hétvégéjére esőt mondtak. Ez azonban úgy látszik, senkit nem zavart. A Woodstocki bulira elképesztően nehezen lehetett csak bejutni. A helyszínt végeláthatatlan forgalmi dugók övezték. Emiatt több zenekar is lekéste koncertjét, többek között az első fellépő Sweetwater együttes is.

A kezdeti káosz ellenére a fesztivál rendben és zavargásoktól mentesen zajlott. Ez nagy szó, főleg annak ellenére, hogy beengedték a drogokat és a kábítószer árusítás sem volt tiltva. A hippi közönség békésen szívta a füves cigarettát és fogyasztotta az LSD-t. A statisztikák szerint 10 látogatóból 9 drogozott a bulikon. Azonban bár rendbontás nem volt a drog miatt, de csendes tragédiák igen. Egy hippit a saját hálózsákjában érte kábított álomban a halál, amikor egy fesztiválos traktor áthajtott rajta, egy másik fiatal pedig szintén csendesen hunyt el a tömegben, amikor túladagolta magának a heroint.

A koncertek szintén majdnem életveszélybe mentek át. A zuhogó eső és a villámok nem kedveztek a fellépőknek, de őket ez nem riasztotta el. Country Joe McDonald például a saját zenekara nélkül is színpadra lépett, amikor azok visszakoztak, berendezéseiket féltve a nagy zivatartól. Ezt a helyzetet Alvin Lee, a Ten Years After gitárosa humorizálta el egy szállóigévé vált mondatával: "Ha megráz az áram minket Woodstockban, annál több lemezt adunk el!" És milyen igaza is volt ezzel!
A 3 napon át tomboló vihar azonban nem csak a zenélésre volt hatással. A második nap az esőzések megakasztották az infrastruktúrát, így a látogatók tömegének ellátása nehézkessé vált. Az élelemmel való ellátást például a második nap reggelétől karitatív szervezetek vállalták magukra, miközben a kitelepedett, jófej Food for Love négyszeresére emelte hamburgereinek árát. Az esőzések és az élelemhiány miatt több mint a 5000 ember betegedett le, és a 2. napon már ott tartott a dolog, hogy a fesztivál helyszínét katasztrófavédelmi övezetté nyilvánították. Ennek ellenére a látogatók nem mentek haza, ezért a szervezők elvárták tőlük a napijegy kifizetését. Ez a helyzet elégedetlenségi mozgalmat indított, majd végül az ideges fesztiválozók összetörték a jegyárusító bódékat, és önkényesen ingyenessé nyilvánították a programsorozatot.


A fentiek alapján elmondhatjuk, hogy a híres parti nem a világ legjobban szervezett koncertsorozata volt, de mégis meg tudott mozgatni rekord létszámú embert. Bár a fesztivált megrendezték 1979-ben, 89'-ben és 99'-ben ismét, már nem tudta hozni az első sikereit. De épp ebben az egyszeri és megismételhetetlen alkalomban rejlik a woodstocki csoda.

Tedeschi-Trucks Band: Amerikai bluesházasok

Susan Tedeschi és Derek Trucks Amerika leghíresebb blues-házaspárja. A Tedeschi - Trucks Band 11 tagú zenekarával a Grammy-díj megnyerése után most már nem csak albumaival, de koncertjeivel is elkápráztatja a nagyérdeműt.

Itt van egy újabb csapat, amelynek híre még véletlenül sem jutott el Magyarországra, köszönhetően a rádiók és a zenetévék igényességének. Amíg nálunk folyton Lady Gagát nyomatják le az ember torkán az autóban és a tévében, itt egy újabb zseniális csapat, amely értéket is teremt. Az alap a következő: vegyünk a egy unatkozó házaspárt, akik nagyon szeretik a bluest. Majd adjunk hozzájuk egy csomó embert, akik a háttérből kísérik őket. Így lesz teljes a Tedeschi - Trucks Band, Amerika legújabb sikercsapata.

Sajnos itthon a hírét sem ismerhetik a rockrajongók ennek a bandának, ezért úgy gondoltam, ideje ezen változtatni. Bár olvasóim már megszokhatták, hogy rendszeresen írok olyan bandákról, akik külföldön már nagy karriert futottak be, míg nálunk ismeretlenek. A fent említett házaspár nem valószínű, hogy a jövőben nálunk is sláger lesz, de ha valaki át akar élni egy nagy zenei élményt, annak meleg szível ajánlom Susant és Dereket.
A duó tagjai, a 33 éves Derek Trucks és a 41 éves Susan Tedeschi már megismerkedésük óta a zene bűvöletében élnek. Először Derek vált a gitár rabjává, majd megfertőzte a blues szeretetével feleségét is. Ezek után már nem volt a megállás. A 90's években több hobbibandát alapítottak, és a munka mellett a muzsikálás volt számukra az első dolog. Mindez nem volt hiába, hiszen a kedves férjet hamar felfedezték, és oszlopos tagja lett az Allmann Brothers Band-nek. Nem beszélve arról, hogy később Eric Claptonnal is zenélt együtt, többször pedig turnézott a "Lassúkézzel".

Miután derek hazatért egy ilyen turnéról, feldobta feleségének az ötletet, hogy mi lenn, ha mind a keten főállású zenésznek állnának. Susannak persze nem volt ellenvetése az ötlettel szemben, ezért elkezdték egy banda tervét szövögetni. Azt már az elején tudták, hogy az együttesben ők akarnak a középontban lenni, viszont hogy igazán nagyot dobbantsanak, szükségük volt még háttéremberekre. Egyébként Trucks-ék később elérulták, hogy már a 90's években is szemezgettek az előbbi ötlettel, de az idő hiánya mindig hátráltatta őket. De a 2000-es évek elejére sikerült megtalálniuk azokat a profi zenészeket, akiket valóban kerestek. A Tedeschi - Trucks Band összeállt, és a sikerszéria elkezdődött.

Már a bemutatkozó koncertjükön is nagyon jól fogadta őket a közönség, és ők is meglepődtek azon, hogy ekkora tetszést váltottak ki az emberekből. Második koncertjük már telt házas volt, a harmadikra pedig már akkora volt az érdeklődés, hogy egy stadionban kellett megtartani. Később pedig jöttek az elismerések, 2009-ben pedig bezsebelték legnagyobb vágyálmukat: a Grammy-díjat. 

A házaspár együttesének legnagyobb értéke a kritikusok szerint, hogy ekkora létszámú és művészi színvonalat képviselő együttes legutoljára a hippi korszakban játszott. Ha a nagyöregek meghallgatják őket, a Delaney & Bonnie & Friends és a Jo Cocker’s Mad Dogs and Englishmen ugorhat be nekik. De ezeknek a bandáknak csak egy szépséghibájuk volt: sajnos nem voltak hosszú életű performanszok. De a Tedeschi-Trucks Bandnek minden esélye megvan rá, hogy emlékezeteset alkosson.

Eddig megjelent anyagaikból kétségtelenül bebizonyosodik, hogy igazi profikkal van dolgunk, de igazán jól koncertjeiken teljesítenek. Live Everybody’s Talkin’ című albumukat érdemes meghallgatni, mert ez a legjobb válogatás élő felvételeikből. A koncertalbumon 12 dalukat rögzítették különböző helyszíneken, és korong olyan jó minőségű lett, hogy a zseniális szerzeményeket szinte stúdióminőségben élvezhetjük.

De a riportereket és a zenészvilágot az a kérdés izgatja leginkább: Okoz-e valami feszültséget, esetleg rivalizálást a színpadon, hogy a kedves feleség is első osztályú gitáros? Erre a kérdésre Derek mosolyogva azt válaszolta, hogy néha jót tesz a feszültség, mert ha Susan valamiért frusztrált, akkor egy olyan gitárszólót vág oda, hogy csak pislognak ők is a színpadon! És persze mi is, ha elindítjuk őket a play gombbal! Reméljük, ez a banda még sokáig megmarad, hogy kellemes pillanatokat okozzon nekünk! Éljen Susan és Derek!

Igazi country Amerikából - a Sugarland sztori

Jennifer Nettles és Kristian Bush neve Amerikában egyenlő a minőségi country zenével. Az általuk alapított duót Sugarlandnek hívják, és 10 éves pályafutásuk alatt 11 millió eladott lemezt mondhatnak magukénak. A páros sosem pihen, folyamatosan termelik ki a slágereket, és azon kevesek közé tartoznak, akik saját maguk írják dalszövegeiket. A Sugarland ebben a hónapban ünnepli tíz éves évfordulóját. Ebből az alkalomból hoztam el nektek Jennifer és Kristian történetét.

Aki szokta hallgatni a rádiót, az már számtalanszor belefuthatott a banda Stuck Like Glue című számába, amely igen lendületes és vidám. Ugyanis az egész bandát ez jellemzi. A Sugarland repertorájában nagy hangsúlyt kapnak az élet derűs oldaláról szóló szövegek, de emellett Kritiant és Jennifert egyáltalá nem lehet egyoldalúsággal vádolni, hiszen lépten.nyomon bizonyítják, hogy minden stílusban megállják a helyüket. Ha kell, az énekesnő jól odamondogat,  belevalóan táncol, vagy megpenget mély érzelmi szálakat, mint a szerelem vagy a tehetetlenség érzése. Igazi tengerentúli country-ikonok ők, akik folyamatosan bebizonyítják: mindig tudnak újat mutatni a közönségnek.

A Sugarland zenekar 2002-ben alakult, és ha be kellne sorolnom egy műfajba, legerősebben azt mondanám, hogy alkotásaik legjobban a country világa felé tendálnak, ám ugyanúgy vannak popos és hihetetlenül rádióbarát dalaik is. A duó az évek alat mindig jól kiegészítette egymást. Míg a mai napig Jennifer Nettles látja el a szövegírói feladatokat, addig Kristian Bush az örök zeneszerző. Meg kell róla jegyezni, hogy azért ő sem ma kezdte a zenészi szakmát, ugyanis rendkívül sok mindenhez ért. Amelett, hogy a húrokat nyűvi, zseniálisan vokálozik, harmonikázik és játszik a mandolinon. 

Mikor a banda elindult, mindent Kristian akart magára vállalni, a menedzseri feladatoktól kezdve a koncertek leszervezéséig. Amikor azonban emberünk nagyon belebonyolódott a dologba, rájöttek, hogy muszáj lesz keresniük egy harmadik embert is. Olyat, aki ugyanúgy szerepet vállal a zenekar működésébe, de a külsős szerepeket is be tudja vállalni. Így találtak rá Kristen Hall Bush-ra, aki bár remekül teljesített, nem írta a nagy  stresszt, és 2006-ban elhagyta a csapatot. Miután Jenniferék újra ketten maradtak, sikerült végre profi szinten menedzselniük magukat, aminek meg is lett a fantasztikus eredménye: Baby Girl című dalukkal ismertek lettek Amerika szerte, és 2004-től nem volt megállás...

Miután aláírták szerződésüket  a Mercury Nashville Records-szal, gőzervel belekezdtek első kislemezük munkálataiba. Ez volt a Speed of Life, amelyen a fent említett Baby Girl című dal volt található, és amikor készen lettek vele, még gondolni sem merték, hogy többszörös platinalemezt fognak kiadni kezeik közül. Miután világossá vált számukra, hogy egy csapásra befutott bandává váltak, nem ültek tétleül a babérjaikon. Jennifer és Kristian szemérmetlenül kihasználta égből pottyant hírnevét, és nyakukba vették a hatalmas Amerikát. A majdenm fél évig tartó turné pedig olyan sikeres lett, hogy megőrültek értük a rajongók. És hogy ez miben nyilvánult meg? Például abban, hogy a Speed of Life 2004 október 26.-án jelent meg, de két hétre rá már vezetett a slágerlistákon a korongon található Baby Girl, amely máig a kettős legjelentősebb slágere. De tovább is van mondjam még? Tudjátok mit, inkább nem mondom, hanem írom. El tudjátok azt képzelni, hogy egy album mindjárt a megjelenése után után akkora siker, hogy a Billboard második helyére tornázza fel magát? Gondolom először ti is azt vágnátok rá szkeptikusan, hogy nem, meg hogy ilyen nincs, pedig van. Mert ha azt nézzük, hogy van egy csapat, ami önerőből turnézik, és minőségit tud adni az embereknek, akkor a jó híre hamar elterjed. És ez az, amivel a Sugarland jól indult. Hatásosan mutatkozott be a közönségnek, és nem sajnálta a munkát arra, hogy mindenki megismerje nevüket.

Miután az első album lecsengett, a rádiók még észhez sem térek a Baby Girl sikere után, már jött is a köetkező sláger, a Something More. Aki látta már a videoklipet, annak is szemtanúja lehetett, amint a régi tag, Kristen Hall Bush gitározik. Bármennyire is feladta később, (szerintem nem kellett volna kiállnia), mentségére legyen mondva, hogy iszonyat jól nyomta a csaj. Ráadásul az amerikai country rádióban egészen a második helyig jutott már a harmadik héten, ami szintén kitűnő teljesítmény egy viszonylag új csapattól. Miután ez a sláger is lecsengett (persze kellett egy jó félév hozzá), jennifer újra hozta formáját. Megírta a Down in Mississippi című dalt, ami szerintem a duó egyik legtökéletesebben sikerült slágere. Kristian olyat nyom a közepén, hogy beszartok, és olyan igazi country hangzás köszön benne vissza, amire minden vájtfülű felkapja a fülét.

Nem is kellett több a zenei kritikusoknak. A Sugarland debütáló 2004 nyarán megkapta a multi platina minősítést, és a kritikusok, egyre azt rebesgették: itt van az új country-csapat, aki véget vetnek a kontinens ellaposodó zenei hangulatának. Ráadásul a banda rekordot is döntött És hogy mivel? Azzal, hogy az albumból több mint 3 millió fogyott, és olyan lemezeket előzött meg ezzel az eladási listákon, mint például Bon Jovi  Who Says You Can Go Home kiadványa. A Sugarland az angol nyelvű médiában is egyre népszerűbb lett. Többször felléptek az MTV zenei műsoraiban, nem egyszer készítettek róluk riportot, és egyre több reggeli rádióműsorban vendégeskedtek.

Miután Kristen Hall ugye 2005 decemberében elhagyta a csapatot, a helyzet fintora, hogy pont ekkor jelölték az immár duóban maradt Jennifert és Kritiant a legjobb új előadónak járó Grammy-díjra. Egy évvel később már a CMT Music Awards-on is számtalan jelölést kaptak, és ha nem is nyertek, sikerült megmutatniuk mindenkinek: Itt vagyunk gyerekek, mi vagyunk a Sugarland, élünk, virulunk és alkotunk! Sőt olyannyira alkottak, hogy 2006-ban megjelent második albumuk, az Enjoy the Ride. Ezene pedig olyan nagy sikerek sorakoztak, mint az Evereyday America vagy a Steelin' című (csak amerikai klasszikusok) dalok. Ezzel az albummal pedig sikerült újabb rekordot megdönteniük. Ugyanis már az első héten 2. helyezést értek el a Billboard 100-as listáján. 2007-ben pedig már nem csak jelöléseket kaptak, hanem nyertek is. A CMT Music Awards-on nem mást zsbelhettek be, mint a közönség kedvencei díjat. 2011-ben pedig megkapták első Garmmy-jüket, az Év Amerikai Előadója címmel.
 A Sugarland így 2006-tól folyamatosan az amerikai címlapok kedvence volt. A Rolling Stone, nem csak dalaikat és albumaikat dicsérte, hanem előadási stílusukat a színpadon, és Jennifer Nettles közszereplői készségét is. Ugyanis a hölgyről ismeretes, hogy nagyon humoros és ötletes nyilatkozatot tud adni. Kristian rendszeresen át is adja neki a szót, hiszen Jenni igazi profi a média szórakoztatásában. nem véletlen, hogy az énekesnő több amerikai tévéműsorban is vendégeskedett, köztük a Car és a Yo Gabba Gabba! adásaiban.

Tavaly pedig véget ért egy nagy rendezvénysorozat, ahol a párosnak ismét sikerült domborítania. A Stuck Like Glue például az Év Dala elismerést hozta el nekik a CMT díjátadásokon, és ismét bezseblhették a csatornától az Év Country zenekara díjat. Mostanában azonban nem sokat hallani Jenniről és Kristianról. De hogy a rajongók megnyugodjanak, szó sincs feloszlásról. Jenniferék csupán egy kis szünetet engedélyeztek magukat. Ahogy az énekesnő nyilatkozta: "Most egy kicsit pihenünk, hiszen nekem és Kristiannak időbe telik feldolgozni a sikereinket. Egyelőre azon gondolozunk, milyen irányba menjünk tovább, de mindenki nyugodjon meg, a banda él és virul." Köszönjük Jennifer!

Egy kis Eurythmics-túra: Lennox és Dave munkái

Ha azt mondom, Annie Lennox, ti azt mondjátok: Eurythmics. Hiszen ki ne ismerné a 80's évek legendás, azóta már klasszikussá vált duóját? És az öregebbek közül ki ne emlékezne arra, amikor először felcsendült a Sweet Dreams a rádióban, majd jöttek a csapat még nagyobb slágerei? Zenei rovatom mai  főszereplője a legendás duó. És most nem csak a csapat pályafutását mutatom be nektek röviden, hanem megismerhetitek Annie Lennox és Dave Stuart legütősebb dalait is. 

A Eurythmics kétségtelenül a 80-as évek elejének legsikeresebb duója volt. Annie Lennox és Dave Stuart sikere abban rejlett, hogy míg az újhullámos bandák tömegesen tünedeztek el a listákról 1984-ben, a Eurythmics továbbra is érdekes tudott maradni a közönség számára. Talán azért, mert ők soha nem változtatták zenei stílusukat. Minden albumukon a megszokott hangzással álltak elő, Annie lendületes hangja pedigmindig vitte a prímet. Zenéjük dobgéppel támogatott szintetizátoros muzsika volt, a dalszerzõ-menedzser Dave Stewart szerzeményei, de Annie Lennox a dalszerzői mnkálatokban nem működött közre, ő csak elénekelte őket. A Eurythmics elõdje a 70-es évek végén alapított The Tourist formáció volt, ami úgy alakult, hogy Lennox és Stewart Londonban nem csak találkoztak, hanem egymásba is szerettek. Az élettársi kapcsolat mellett zeneileg is sikerült zseniálisan egymásra hangolódniuk, így a Tourist után további zenei projektekbe kezdtek. Ennek egyik hajtása lett az 1980-ban megalapított Eurythmics.
.
És bár az évek során szerelmük kihűlt, de munkakapcsolatuk azért hála istennek megmaradt. Olyannyira, hogy 1981-ben kiadták elsõ albumukat az "In the Garden"-t. Bár a lemeznek pozitív visszhangja volt, nagyon gyenge eladásokat produkált. A sikertelenség után Stewart létrehozott egy saját stúdiót és a legendás második album, a Sweet Dreams (1983) már ott készült el. Ezzel a lemezzel olyan sikert értek el, hogy nem csak Európát, de az USA-t is egyből meghódították. Az MTV-n egyre több műsoridőt kaptak, és innentől nem volt megállás...
.
A siker tartós maradt, Annie és Stuartt nevét egyre több rajongó sikoltotta koncerteken, lemezeik pedig rekord eladásokat produkáltak. 1985 és 86-ban Stewart produceri munkára adta a fejét, és olyan nagy nevekkel működött együtt, mint Bob Dylan, Daryl Hall, Tom Petty vagy Mick Jagger. Eközben Annie sem pihent, a csábos énekesnő a színészet világába kóstolt bele. 1987 és 90 között a duó visszavonult egy kis feltöltődésre, de 1990-re már teljesen elfáradtak. Új dalokat sajnos nem sikerült összehozniuk, ezért kiadtak egy Greatest Hits albumot legnagyobb slágereikből. 1992-ben a Eurythmics véglegesen feloszlott. Lennox szólólemezt adott ki Diva címmel, amely azóta több mint 2 millió példányban kelt el. Közben egykori társa, Stuart megalakította a Spiritual Cowboy zenekart, de miután ezzel csak mérsékelt sikereket ért el, 1995-ben inkább ő is egyedül próbálkozott. 1999-ben pedig jött a nagy meglepetés: Annie Lennox és Dave Stuart újra közös munkára adta fejét, és kiadtak egy új Eurythmics albumot Peace címmel.A visszatérés fergetegesre sikeredett. A banda új lemeze hatalmas robbanás lett, régi korongjaikat pedig újra ki kellett adni a nagy érdeklődés miatt.
.
Most pedig, a duó rövid bemutatása után következzen, amit cikkem elején ígértem nektek: vagyis jöjjön  a banda szerintem 5 legütősebb dala. De mielőtt elkezdenénk a hallgatást, azt előre leszögezem: felejtsétek el a  rádióban agyonjátszott Sweet Dreams-et és társait. A következőkben olyan dalok fognak jönni, amiket sosem pörgettek agyon a rádiók, mégis megérdemelnek egy kis odafigyelést. Induljon a kalandozás!

Válogatás a Eurythmics szerintem legjobb dalaiból:

1. There must be an Angel
A dal a csapat 1985-ös, Be Yourself Tonight korongján jelent meg, és a csapat legsikeresebb kislemezdala lett a Sweet Dreams után. Egyébként az albumon olyan dalok találhatók, mint a Themeselves vagy a Conditioned Soul, amiket Annie még ma is előad szólóban.


 2. When Tomorrow Comes
 A dal Anni-ék 1986-os, Revenge című kiadványán található, és máig az album legjobb dalának tartják a kritikusok. sajnos a magyar rádiókban sosem hallani, annak ellenére, hogy a csapat hazájában még mindig az  egyik legnépszerűbb klasszikus.

3. Love is a Stranger
Ez a dal a Eurythmics második albumán, a Sweet Dreams-en található. Bár nem ez a sláger tette őket világhírűvé, de zseniális zenei elemeket fedezhet fel benne a vájt fülű hallgató. A recept itt is ugyanaz: egy kis new wave hangzás, változatos dallammal és zenei vonalvezetéssel.

4. Miracle of Love
Úgy gondoltam, ez a dal sem hiányozhat a sorból, ha jobban meg akarjuk ismerni a Eurythmics munkásságát. Ezzel a dallal is ugyanaz a helyzet, mint az 1986-os When Tomorrow Comes-al. Többet érdemelne, mégsem kap kellő figyelmet a beszűkült magyar kereskedelmi rádiókban.


 5. Here Comes the Rain Again
Ezt a slágert direkt hagytam utolsónak, mert ezt halai talán leggyakrabban a Sweet Dreams után a rádiókban. A szám az 1983-as Touch albumon hangzott el. Talán ebben az alkotásban mutatkozik meg legjobban Lennox-ék egyik alapismérve: hogy a zene végig egy ritmusban marad.

Billy Idol - egy punkzenész útja a csúcsig

Billy Idol neve minden rockbarát számára ismerős lehet. A Generation X nevű egykori punkbanda frontembere rögös kanyarokat járt be a sikerhez vezető úton. Volt már ő gitáros megbukott zenekarokban, számtalan projektet dolgozott ki a 80's években, és nem egyszer lépett színpadra a kor ismert sztárjaival. Mindig is híres volt arról, hogy szeretett kísérletezgetni a punk műfaján belül, és ő volt az első énekes, aki dallamosságával a lágyabb pop kedvelőit is meg tudta nyerni a műfajának.

Billy Idol, azaz polgári nevén William Michael Albert Broad pályafutása a hetvenes években kezdődött. Az ő története is úgy indult, mint bármelyik klasszikus zenészé. Adott egy fiatal suhanc, aki a gimnáziumban megalapítja unalomból élete első amatőr zenekarát. Majd játszanak az anyjáék garázsában, és mikor a szomszédok századszorra szólnak, végül rájuk kapcsolják az áramot. Gondolom, a történet számos Rockblokk olvasónak ismerős lehet. Na, ne tessék elkeseredni kedves feltörekvők, Billy is így kezdte.

Miután rövid ideig gitározott a süllyesztőbe fulladt Chelsea nevű csapatban, csalódása akkora volt, hogy letette hangszerét, és inkább mikrofonhoz fordult. Egyébként a banda bukásának miértje máig egy nagy kérdőjel a zenekritikusok előtt, ugyanis ebben gitározott Mick Jones, a későbbi The Clash frontembere, és Brian James is, aki később a Damnedben vált ismertté. Miután Billy feldolgozta kudarcot, sikerült énekhangjával megnyernie Tony James bőgőst, John Towe dobost és Bob Andrews-t, a bandát elnevezte Generation X-nek. A zenekar dallamos punkzenét játszott, ám távol állt attól, hogy elnyerje a szakmabeliek elismerését. Összesen 3 albumuk jelent meg: az első 1978-ban, a zenekar nevével fémjelezve, a második 1979-ben, a Valley of the Dolls, majd két év szünet után jött a 80's évek elején a jól ismert Kiss Me Deadly. Ám miután a zenekar nem váltotta be Idol reményeit, 81-ben ez a formáció is széthullott.

Ám Billy Idol sosem tartozott azok közé, akik hamar feladták. Égett benne a világhírnév utáni vágy, született művész volt, aki csak a zenének élt, és New Yorkban próbálkozott. 1981-ben jelentette meg első szólólelemezét Don't Stop címmel, aminek elkészítésében nem más, mint a Kiss menedzsere, Bill Aucoin volt segítségére. A korong olyan jól sikerült, hogy hozzásegítette még egy lemezszerződéshez a Crysalis kiadóval, és egyre több kritikus nyilatkozott róla elismerően. Miután Idol megtalálta a második szólóprojekthez számára megfelelő gitárost, Steve Stevens-t, 1982 júliásában tűnt fel ismét a színen. Az 1982-ben kiadott Billy Idol című lemezhez két nagy sikerű klipet is forgatott Stevens-szel közösen, ez volt a White Wedding és a Dancing With Myself. (Előző dalt egyébként a Generation X-szel is játszotta.) Így Idol egyik pilanatról a másikra az MTV és a rádiók kedvence lett, majd azon kapta magát, hogy lemezeiből egyre több fogy, és nem csak Amerikában. Idol visszafordíthatatlanul elindult a világhírnév felé.

Két év szünet után a "punk fenegyereke" (akkoriban már így nevezték) hatalmasat robbantott. Az 1984-ben piacra dobott Rebell Yel akkorát szólt, hogy eldobod az agyad. A lemez a dupla platina besorolásig tornázta fel magát, és olyan sikers lett, hogy máig a punk vagány legnagyobb számban elkelt korongja. A munkán olyan rockslágerek sorakoztak fel, amit máig hallhatunk a rádiókban. Ismerős mindenkinek a Rebell Yell, az Eyes Without a Face és a Flesh for Fantasy? Legalább egy biztosan, hiszen ezek a slágerek minden igényesebb kereskedelmi rádió repertoárjában megtalálhatóak.
.
Azonban mint a kor nagy sztárjai, ugyanúgy Billy sem volt tökéletes. Ő is esett hibákba, mégpedig 1985-től, amikor a nagy sikertől elkényelmesedett. Lezavart még egy világkörüli turnét, majd 2 évig hátradőlt, mert úgy gondolta nincs szüksége újabb dalok írására, így is elég sikeres. Na igen, de ezt a rajongók cserbenhagyásnak érezték, Sem koncertet, sem nyilvános szereplést nem tartott 1985 és 1987 között, így egyre inkább elkönyvelték letűnt sztárnak. A New York Times és Rolling Stone magazin például ebben az időszakban arról kezdett cikkezni, hogy Idol visszavonult, és nem tervez több projektet sem szólóban, sem zenekarral kiegészülve. Aztán 1987-ben, mit ad az ég, megtört ez a nagy hallgatás. Kijött a Whiplash Smile album, ami hiába volt fantasztikus a To Be Loverrel és a melodikus Sweet Sixteennel, nem igazán tudott versenybe szállni az előző album sikereivel. Ráadásul a gondokat az tetézte legjobban, hogy Steve Stevens gitáros bejelentette: nem zenél tovább Idollal. Billy egyedül maradt. 

És bár '87-ben kijött még egy válogatás a legsikeresebb dalokból Vital Idol címmel, ez mégsem segítette Billyt a visszarázódásban, Annak ellenére, hogy a lemezen található új dalt, a Money Money-t ronggyá játszotta az MTV zenecsatorna. Valljuk meg, a nyolcvanas évek vége és a kilencvenes évek eleje nem igen volt Billy Idol időszaka. 1990-ben például olyan súlyos motorbalesetet is szenvedett a fenegyerek, hogy majdnem le kellett vágnia fél lábát, de szerencsére felépült. Na meg arról nem is beszélve, hogy a drogokkal is meggyűlt néhányszor a baja...

1993-ban Idol színészi tehetségét is megcsilogtathatta. Miután sikerült egy időre lejönnie a cuccról, szerepet kapott az Oliver Stone rendezte The Doors-ról szóló filmben, ami nagyon jól sikerült. Ugyanebben az évben pedig okozott egy zenei meglepetést is a világnak és a rajongóknak. Nem csak változtatott a fizimiskáján, de zenéjébe több modernebb elemet, például techno-foszlányokat is berakott. Na, ez igazán nem tett jót, mert ez volt az oka, hogy az album óriási bukás lett, ráadásul a punk drogfüggősége is ekkor érte el tetőpontját. Billy annyira rákapott a kábítószerre, hogy majdnem elpatkolt. 1994-ben annyira túllőtte magát, hogy rohammentővel szállították a Los Angeles-i nagykórházba, és perceken múlott az élete.

Billy pedig pedig azóta leállt, és 1998-ban újra porondra lépett. Azonban nem lemezzel, hanem ismét egy filmszereppel lepte meg a gyanútlan rajongókat és a mozik közönségét. Adam Sandler-rel és Drew Barrymore-ral együtt alakított a Nászok Ásza című filmben, ahol nem mást, hanem saját magát, Billy Idolt alakította. Ezzel a sztár elérte, hogy ismét felfigyeljen rá mind a zenei, mind pedig a filmvilág. És a hatásos visszatérésnek meg is lett az eredménye. Az énekes kiadója 2001-ben egy mindent átfogó Greatest Hits válogatást dobott piacra a sztár legnagyobb slágereiből. És Billy Idol karrierje napjainkban is töretlen! A zenész 2010-ben nálunk, a VOLT Fesztiválon is fellépett, ahol mindenki megbizonyosodhatott róla: emberünk töretlenül bírja az iramot!

Sandra - A német Madonna

Kevés külföldi énekesnő dicsekedhet olyan nemzetközi karrierrel, mint Sandra Cretu. Az énekesnő nem mai lány, ugyanis már a 80's években elindult zenei pályája, és nem csak szólóban, hanem az Arabesque nevű lánytrióval is sikert sikerre halmozott.

Sandra Cretu nevét hallva bizonyára mindenkinek a jól ismert Maria Magdalena című sláger ugrik be először, amivel a hölgy meghódította a világot. Ezen dallamok bárkinek ismerősek leetnek, akik otthonosan mozognak a zenei világban, és naponta hallgatják a rádiót. Kevésbé ismert viszont az énekesnő előlete, és az, hogy honnan jött. Ugyanis a kis Sandra nem mindig volt ám befutott díva! A nyolcvanas évek elején, csak úgy, mint egykor Madonnának, sokat kellett küzdenie azért, hogy megismerje nevét az egész világ.
Sandra 1962-ben született a a németországi Saarbrückenben. Már tíz éves korában nagy érdeklődést mutatott a popzene világa iránt, és az iskolában is egyre azok társaságát kereste, akik ebben a műfajban képzelték el jövőjüket. Ezért aztán nem is nagyon koncentrált a tanulásra.Az éneklés örökösen joban érdekelte a matekleckénél és az irodalomnál, és a délutáni napköziből is rendszeresen elsökött, hogy giárleckéket egyen egy jóbarátjától. Miután profin megtanult játszani a hangszeren, úgy folytatódott története, mint a legtöbb ma ismert legendának. Sandra tele volt kamaszkori feszültséggel, és szükségét érezte, hogy ezt valahogyan levezesse. Így ház minden belülről jött. A kiskamasz elkezdett dalokat írni, képezte a hangját egy zenetanár segítségével, aztán a legnagyobb titokban benevezett egy tehetségkutató versenyre Olivia Newton John egy ismert dalával. És csodák csodája, meg is nyerte a versenyt! És innentől indult el az énekesnő mára legendássá vált története...

Miután Sandra megnyerte a fent említett tehetségkutatót, egy akkoriban még kevésbé ismert zenei producer, George Roman felkereste azzal a szándékkal az ifjú üdvöskét, hogy lemezt készítsen vele. Ezen persze a szülők hökkentek meg a legjobban, hiszen szerintük Sandra számára a tanulás sokkal fontosabb lett volna. Mint sokan, ők sem akarták, hogy lányuk elkallódjon, ám végül, mikor látták annak tehetségét, beleegyeztek a dologba. Eztán jelent meg 1976-ban a kishölgy első kislemeze Andy mein Freund címmel Németországban, ami sajnos csúfos bukás lett. Így hát a lány visszatért az iskolapadba, kiábrándultan és beletörődve, hogy felesleges tovább próbálkoznia.

Akkor hogyan lett mégis eszméletlen nagy sztár később? Tudjátok, van az a mondás, hogy a legsikeresebb emberek először a kudarccal kezdik. Így hát Sandrának is sikerült felállnia a kezdeti rossz élmények után, és barátnőivel együttműködve megalapították az Arabesque nevű poptriót. Az együttes nagy fonákja, hogy Frankfurtban alakultak, mégis Japánban kerültek a lemezeladások élére. Valamilyen okból ugyanis a japánoknak nagyon bejött ez a könnyed mezo szopránnal kevert pop, amit a lányok összehoztak. A Hello, Mr. Monkey például akkora sikert aratott, hogy már első héten az eladási listák harmadik helyéről startolt. Ám a csapat sajnos nem volt hosszú életű. Fél év alatt a hölgyek (igen hamar) ráuntak egymásra, és egy konfliktus miatt ketten is otthagyták a zenekart. Így csak Sandrának adatott meg, hogy szép kis jövőt teremtsen magának.

Az Arabesque trió feloszlása után jött a képbe Hans Scherer német sztárproducer, akinek nagyon megtetszett a Hello, Mr. Monkey című sláger, Ahogy ő mondta annak idején, nem tudott vele betelni, ezért megkereste Sandrát. Persze emberünk ilyenkor még nem tudta, hogy azzal a sztárságra éhes hölgyel van dolga, aki évekkel ezelőtt már kiadott egy sikertelen lemezt. Látva, hogy a feltörekvő lánynak menyire fontos az éneklés, megegyeztek egy próbafelvételben. Amikor pedig élőben is meg volt elégedve Sandrával, egyenesen megtiltotta neki, hogy visszamenjen az iskolapadba. Megígérte, hogy igazi sztárt farag belőle, azonban leszögezte neki már az elején: ehhez nagyon sok munkára van szükség. Gőzerővel kezdték el egy saját szólólemez felvételeit, amihez az összes dalt Sandra írta. Aztán ez a lemez ki is ött 1985-ben, Maria Magdalena címmel. Kell tovább mesélni?

Na jó, gyerekek, azért mesélem. A dal akkorát robbant Európában, hogy azt el nem tudjátok képzelni? 21 országban került a listák élére, 5 országban pedig egyből a Top 10-ben nyitott. Ismerjük el, azért nem semmi teljesítmény egy, a showbiznisz világába frissen belecsöppent énekesnőtől. A videoklipet szétjátszotta az MTV és az összes ismert zenecsatorna, a kislányok és a felnőtt nők pedig jószerivel kifosztották a boltokat a Maria Magdalenáért. A slágerrel Sandra több zenei rendezvényen is részt vett. 1986-ban a Tokyo Music Festival-on lépett fel, a siker fenntartása érdekében pedig félé évre Londonban telepedett le, hogy fejlessze angol tudását. Sandrát már ekkor is megelőzte a híre. Mielőtt megérkezett volna Angliába, egyből Madonna első számú riválisát látták benne, és az énekesnő is elismerően nyilatkozott új kolléganőjéről. Azonban Angliában Sandra nem csak pihent, hanem folyamatosan vette fel új dalait is. nemhiába, hiszen miden egyes kislemeze siker lett.

Sandra Cretu karrierje vitathatatlan, hogy jórészt a nyolcvanas évekre korlátozódik le. Bár a kilencvenes években is előállt a hölgy néhány zenei projekttel, ezekkel már korántsem volt olyan sikeres, mint egykor. Ennek oka minden bizonnyal abban keresendő, hogy gyökeresen változni kezdtek a zenei trendek, amikkel az énekesnő már nem tudott, vagy nem is akart lépést tartani. 1992-ben azonban volt még egy nagy dobása: Enigma néven énekelt, azonban a közönségnek mindvégig fogalma sem volt róla, hogy ő áll a név mögött. Aztán 1993-ban lehullt a lepel, és mindenki csodálkozva konstatálta a dolgot, hogy Sandra mennyire megváltozott. Volt akinek nagyon tetszett így hölgy, azonban sokan nehezen tudták elfogadni. Már hiányzott belőle az a régi erő, ami a Maria Magdalénával oly nagy sztárrrá tette...

Joanne Shaw Taylor - A blues új hercegnője

Olvasóim már megszokhatták, hogy időről-időre bemutatok az oldalon olyan új előadókat, akik később nagy sikerre vihetik a szakmában. Mai választottam egy igazi különlegesség, Joanne Shaw Taylor, aki alig múlt 23 éves, de jó úton jár afelé, hogy a blues új hercegnőjévé avanzsálódjon.


Joan Shaw Taylor a bluesvilág legújabb felfedezettje, és persze azon kevés nők egyike, akik a műfajra adják a fejüket. Joanne 1986-ban látta meg a napvilágot Birmingham-ben, és már tinédzserkorában megigézte a blues zene. 16 évesen már Stevie Ray Vaughan és Albert Collins műveit hallgatta, de legnagyobb muzikális példaképének mindig is Jimi Hendrixet tartotta. Ismerjük el, van ízlése a hölgynek! Felüdülés néha azt hallani, hogy valaki hallgat ma még blues és rock klasszikusokat egy olyan zenei világban, ahol Lady Gagákkal és feltűnési viszketegségben szenvedő Madonnákkal bombáznak minket. Na de menjünk tovább, és nézzük meg, hogyan indult be a hölgy szekere. Már 2002-ben a kezébe vette első gitárját, amin fél év alatt megtanult játszani autodidakta módon. Ez is Joanne zsenialitását mutatja, hiszen ha végignézünk a rocktörténelem nagyjain, láthatjuk, hogy minden nagy király - Elvistől kezdve Lennonig - teljesen önállóan tanult meg zenélni. Később elkezdtek rá felfigyelni a nagyok, és egyszer Dave Stuart, a Eurythmics együttes férfitagja összekeveredett vele egy próbán. Stuartnak annyira megtetszett a lány gitárjátéka, hogy egyből meghívta új együttese, a D.U.P európai turnéjára játszani. Innentől kezdve pedig nem volt megállás...  

Joanne-nak a legendás turné óta két lemeze jelent meg, és már az elsővel sikerült hatalmasat dobbantania a szigetországban. A hölgy még csak huszas évei elején jár, de az elmúlt két évben már sikerült nívós díjakat bezsebelnie. Tavaly például elvihette a Brit Blues Díjkiosztón a legjobb énekesnőnek járó trófeát, és az angolok is elismerő kritikákat írnak róla. Ez év júniusában több zenekarral is játszott együtt, köztük Annie Lennox londoni koncertjén is muzsikált. Fellépései mellett korongjai is egyre sikeresebbek. A 2009-es White  Sugar már megjelenésének hetében aranylemez lett, egy évvel később kiadott Diamonds In The Dirt című munkája pedig már platina minősítéssel indult a lemezeladási listákon. 2011-ben világkörüli turnéra indult, de egy kis hallgatás után most ismét új dalokon dolgozik. Harmadik nagylemezének munkálatai a héten kezdődtek, és a korong boltokba kerülését szeptember közepére várhatjuk.

Az Almost Always Never felvételei ebben a pillanatban is gőzerővel zajlanak. A dalokat már felvették, most már csak a keverési és javítási munkálatok vannak hátra. Az albumot Joanne a texasi Austinban készítette el, ugyanis ezen év nagy részét ebben az államban tölti az énekesnő. A korong producere Mike McCarthy volt, aki profizmusával és szakértelmével sokat segített a blues hercegnőnek, és egy olyan bizalmi kapocs alakult ki köztük, hogy Joanne a jövőben nem is hajlandó mással dolgozni. Most pedig térjünk ki a kísérőzenészekre: csupa jól csengő név a blues és rock műfajban: David Garza billentyűs, aki mandolinon is játszik. Közreműködött Juliana Hatfield  énekesnő, akiről a My Sister című dal ugorhat be a tájékozott rockrajongóknak. És a névsornak itt még közel sincs még vége: Fiona Apple, Blues Traveler, Billy White basszeros (Heartless Bastards, Craig Finn, Dokken) és J.J. Johnson dobos (John Mayer Trio, Tedeschi-Trucks Band, Doyle Bramhall II) is nagy részt vállalt abban, hogy Joanne igazi belevaló és ütős albumot rakjon össze. És hogy kinek köszönhet közülük a legtöbbet Joanne? A blueskirálynő elmondta, hogy sokat segített neki producere, aki bár merően más zenei környezetből jött, mint ő, de végig arra ösztönözte, hogy hagyja el a túl komfortos blues világát, és fedezzen fel új muzikális területeket. A zenészeiről végül  azt is megjegyezte, hogy korábban rajongójuk volt, és szerinte kiemelkedő, ahogy játszottak a lemezen.

A korongon 11 saját szerzemény lesz hallható, ám az még egyelőre titok, hogy hazánkban is kiadják-e. Meglepetés, hogy egy feldolgozás is hallható lesz rajta a méltatlanul alulértékelt egykori brit énekes Frankie Millertől. és bár Joanne mindkét korábbi albumát, a 2009-es White Sugart és a két évvel ezelőtt megjelent Diamonds in the Dirt-öt is nagyon szereti, úgy érzi, hogy ez az új CD mutatja majd meg igazán, hol tart. Hát még az igényes rock és blues rajongók mennyire várhatják! Elképzelem, ahogy a fanatikus angol zenerajongók már a megjelenés napján hosszú, kígyózó sorokban tolonganak a nagy lemezboltok előtt. :)

A fantasztikus csapat nem bíz semmit semmit a véletlenre, és már augusztusban elkezdik az új album turnéztatását az USA-ban, ami után Angliában is tiszteletüket teszik a nagyérdeműnek. Sajnos Magyarország egyelőre kimarad, ami nagy kár, mert néhány emberre ráférne hazánkban egy kis zenei kultúra...

Al Di Meloa - egy fantasztikus gitáros útja

Al Di Meloa neve senki számára nem lehet ismeretlen. Akinél mégis, annak komoly hiányosságai vannak a kultúra terén. Emberünk volt már dobos, játszott fúziós együttesben, belekóstolt a világzenébe is. Kalandozásaival sok meglepetést okozott a rajongóknak, de az idők során bebizonyosodott: Al Di Meloának egy műfaj a zsenialitása, ez pedig a jazz.

Al Di Meloa 1954. július 22.-én látta meg a napvilágot New Jersey-ben, hely szerint Jersey City-ben.  Kapcsolata a zenével már 6 éves korában kezdődött, amikor megkapta szüleitől élete első dobját ajándékba. Hogy milyen indíttatásból vett a kedves család Meloának egy dobot, az máig egy nyílt titok a zenetörténetben, de bizonyára ők is úgy voltak vele, mint a többi szülő: valamivel le akarták foglalni a hiperaktív csemetét, amíg anyu főzött, apu pedig épp focit nézett. Utólag is megköszönhetjük nekik, ugyanis a kis Al Dit a hangszer teljesen elbűvölte. Volt, hogy órákig ütötte benn a szobájában, addig-addig, amíg kifejlődött ma is ismert zseniális ritmusérzéke, amivel milliókat kápráztat el napról-napra. 8 éves korában azonban a dob bekerült egy sarokba, és soha többé nem foglalkozott vele. A gitár érdekesebb lett számára, amikor megismerkedett egy helyi zenésszel, akinek hatására ő is nagy kedvvel kezdte nyűni a húrokat. Így, a hatvanas évek elején elkerülhetetlen volt, hogy megszeresse a kor nagy rock n' roll sztárjait. Csakúgy, mint akkoriban minden gitáros, ő is a legdivatosabb előadók stílusát próbálta koppintani: Elvis, a Ventures és a Beatles gyerekkorának meghatározó zenekarai lettek, és rányomták bélyegüket élete további alakulására. Miután a tíz éves kissrác megtanulta a fent említett sztárok összes slágerdalát, figyelme a lágyabb műfajok felé terelődött. Megtetszett neki a jazz, a komolyzene és a bossa nova világa, és ebből a háromból alakította ki ma ismert zenei hangzásvilágát.

Mikor Al Di Meloa elkezdett kamaszodni, már nem csak egyedül játszott. Kezdő gimnazistaként beállt egy fúziós zenekarba, ahol annyira jól teljesített, hogy 1974-ben megkapta élete első ajánlatát a hasonló műfajban utazó Return to Forevertől. A csapat ekkor már három meghatározó albumot tudhatott maga mögött, amik a korszak legnagyobbjaivá tették őket a stílusban. Bill Conors gitáros távozása megviselte a csapatot, akit már a Where Have I Known You Before című krorngon Meloa váltott. A zenész zsenialitására már itt is felfigyeltek, ugyanis első közös koncertjükre Al Di mindössze fél óra alatt készült fel. Nem kellett neki különösebben bajlódnia a riffekkel és a dallamívekkel, ahogy ő mondta: jött minden magától. Az említett New Yorki koncert pedig olyan jól sikerült a Carnegie Hallban, hogy egy héttel később Atlantában már 40 ezer néző volt kíváncsi a Return Foreverre. 1975-ben pedig már jött is a következő album, amely No Mystery címmel került a boltok polcaira. A lemez még abban az évben Grammyt kapott, és kritikusok külön kiemelték a rajta hallható funkos hatásokat. Viszont egy évvel később erre még mindig rá tudtak tenni egy lapáttal, és a Romantic Warrior albumból minden korábbinál többet sikerült eladniuk, ezzel rekordot állítva a jazz világában. Sőt, a lemez már a megjelenés hetében bejutott a Top 40 listára, és több mint egy évig nem lehetett ledönteni róla. Ebben a korszakban kapta meg Meloa a legendás jelzőt: míg Eric Claptont lassúkéznek hívták, Al Di a gyorskezű gitárnyűvő címét érdemelte ki.


A Return to Forever után, pontosan 1976-ban kezdett Al Di Meloa szólókarrierbe. Ezt a korszakát két részre lehet osztani: míg a hetvenes évek végétől egészen a kilencvenes évek beköszöntéig a jazz világában kalandozott, addig 1991-től napjainkig már az akusztikus gitár és a világzene híve. Kezdjük hát a jazzes korszakkal. Meloa első szólómunkája 1976-ban jelent meg Land of the Midnight Suncímen. Dicséretre méltó, hogy nem csak a zenei, de a produceri munkákat is mind egy személyben látta el, azon jelszóval, hogy ő egy szabad művész, akinek ne szabjon senki falakat. A korong dalain megszólaltak a Return to Forever zenészei is, olyan zsenikkel együttműködve, mint Jaco Pastorius vagy Alphonse Mouzon. A nagy dobbantás után Al Di nem pihent. Rögtön a lemez megjelenése után már második saját albumán dolgozott, ami 1977-ben került a nagyközönség elé. Az Elegant Gypsy ugyanolyan kitűnő kritikákat kapott, mint elődje, aminek hatására több mint egymillió fogyott belőle. De ez nem csak a kritikusoknak volt köszönhető, hanem főként annak, hogy korongon olyan zsenik segédkeztek, mint Paco De Lucia és Jan Hammer. Ezt követte egy évvel később a Casino lemez, amelyen szintén a fent említett két zenész működött közre. meloa a hetvenes években több előadó munkáiban is segédkezett saját karrierjének építése mellett. Ott volt például a Friday Night in San Francisco készítésénél is, és olyan zenészeknek nyújtott jobbot, mint Paco de Lucia vagy a ég nem említett John McLaughlin. A korong pedig akkora siker lett, hogy ma is minden idők egyik legnépszerűbb jazzalbumának számít.

Szólókarrierjének második fele 1991-ben kezdődött, amikor emberünk maga mögött hagyta a jazzt, és átváltott a világzene műfajára. Meloa ezzel nem kevés rajongójának okozott meglepetést, azonban a nagy százalék kitartott a zenész mellett, és a könnyűzenei kritikusoktól is sok elismerést kapott. Kalandozásai a 90-es években a Kiis My Axe albumon kezdődtek, amelynek munkálataihoz bevonta zenész barátját, Barry Miles-ot is. 1992-re már állandó zenészgárdát toborzott maga köré, amely a World Sinfonia nevet kapta. Meloa itt már teljesen áttért egy tőle nem megszokott akusztikus gitárra, és egyre nagyobb szerepet kapott munkáiban a világzene, a flamenco és a bossa nova érdekes keveredése. A művész két évig erőt gyűjtött, majd 1993-ban nekiállt a World Sinfonia II - Heart of the Immigrants nagylemez elkészítésének, amely megjelenésének évében még csak mérsékelt figyelmet kapott. Egy évvel később, 1994-ben kiadta a legendás Orange Blue korongot, amelyen egy sereg vendégzenészt gyűjtött maga köré. Reggelig írhatnám a sort, hogy kiket, de csak egy nevet tartok érdemesnek közülük megemlíteni: ez pedig George Dalaras énekes, aki meghökkentő erőt képvisel a lemezen. A 90's évek közepétől már jóformán nem volt olyan igényes zenész, aki még ne dolgozott volna együtt Meloával. Ott volt a sorban John Coltrane, Astor Piazzolla argentin zeneszerző és Leonid Agutin orosz popénekes is. 2007-ben pedig a művész magyar vizekre utazott. Dolgozott együtt Malek Miklós zeneszerzővel és Horgas Eszter fuvolaművésszel is, aminek emlékét egy koncertlemez felvételei őrzik. Most pedig ismét Magyarország felé vette az irányt. A legenda a székesfehérvári FEZEN Fesztiválon örvendezteti meg hazai rajongótáborát.

Syd Barrett - Ígéretből tragikum

Syd Barrett neve minden Pink Floyd rajongó számára ismerősen cseng. A legendás csapat egykori alapító tagjának karrierje fényesen indult a 60's években. Azonban amilyen hamar felívelt, oly tüstént le is hanyatlott csillaga. Ezt leginkább hedonista és drogokkal túlfűtött életmódjának köszönhette. Számtalan hibája ellenére egy azonban kétségtelenül bizonyos: a Floyd egykori énekese hihetetlenül sokoldalú művészfigura volt. Kreatív alkotó, aki megérdemel egy visszaemlékezést.

Syd Barrett élete máig rejtély a korai Pink Floydot kedvelők számára. Annyit tudni róla, hogy a hatvanas években ugyanúgy elkapta őt is a gépszíj, mint a színész James Deant, és nem tudott belőle kiszállni. Pedig az angol énekes-gitáros-zeneszerző páratlan karriert futhatott volna be, ha nem züllik le ócska anyagossá, aki még a saját útját sem találja. Mivel zenei pályája csak néhány évig tartott, a 60's évek végétől Barrett élete teljes ködbe burkolózik. A kreatív művész, akinek páratlan angol kiejtése sok britre volt hatással, hirtelen eltűnt. De hová? Ennek a kérdésnek próbáltam most utána járni Barrett életének  mélyebb tanulmányozásával. 

Syd Barrett 1946. januárjában látta meg a napvilágot Cambridge-ben. A fiú egy jómódúnak nevezhető középosztálybeli családba született bele, ahol nem panaszkodhatott arról, hogy unatkozik. Összesen öt testvére volt, akivel egész nap el tudták szórakoztatni egymást, és Barrett művészi lelkülete már itt, a gyermekkori szórakozásiban is megmutatkozott. Például imádott gitározni és dobolni, ami sokáig arra motiválta, hogy főállású zenész legyen. Syd már gyermekkorában is imádta a világ tudtára adni muzikális érdeklődését. Amikor megkapta élete első gitárját, jóformán még WC-re is azzal ment, és volt, hogy egész napja a pengetéssel telt el. Miután 14 éves korában átesett élete addigi legnagyobb megrázkódtatásán, édesapja, Arthur Barrett patológus elvesztésén, édesanyja nevelte őket tovább 5 testvérével. A kis Sydnek a  zene segített feledni a szomorú napokon, és amikor kezébe fogta kedvenc hangszerét, teljesen megszűnt körülötte a világ, és olyankor nem is létezett számára más, csak ő és a hangok. Gitárhoz való tehetségét már édesanyja is csodálattal nézte, ám amikor elkezdett énekelni, kisebb tömeg gyűlt össze körülötte. Syd tipikusan az a gyerek volt, aki mögött összesúgott mindenki, nagy jövőt jósolva neki. 

Azonban sosem érte be annyival, hogy egyedül nyűje a húrokat, már 14 évesen azon gondolkozott, hogy kiket gyűjtsön maga köré. Már elemi iskolás tanulmányai alatt is a Cambridge County School for Boysban – ami ma ma Hills Road Sixth Form College - a muzikalitás iránt szorosan érdeklődő kortársai társaságát kereste. Kisebb-nagyobb sikerrel alapított néhány hobbizenekart, de miután egyikkel sem jutott túl az iskola színpadán és a garázs falain túl, mindegyiket hamar megunta. Syd egy időre leállt a zenéléssel, és inkább tanulmányaira koncentrált. És jól is tette, hiszen 1964-ben felvették a dél-londoni Camberwell College of Arts egyetemre, ahol megismerkedett a későbbi Pink Floyd ma már legendás tagjaival. És ezzel kezdetét vette az a történet, amely bár tragikus véget ért, mégis beiktatta Barrett-et a rock n' roll feledhetetlenjei közé.

Syd Barrett karrierjének első és legfontosabb lépése a Pink Floyd megalapítása volt 1965-ben. Azt tudni kell, hogy a banda tagjai már korábbról, vagyis a fent említett egyetemről ismerték egymást, azonban nevük kezdetben "The Pink Floyd Sound" volt. Később lerövidítették "The Pink Floyd"-ra, majd miután komolyan gondolták, hogy együtt maradnak tanulmányaik után is, akkor jött be a sima Pink Floyd név, amihez több legenda is társul. És hogy miért tértem ki erre? Mert mindegyik ilyen teória az együttes nevével kapcsolatban Syd Barrett-hez köthető. A legrégibb legenda úgy tartja, hogy az énekes két korai blues zenész - Pink Anderson és Floyd Council - után keresztelte el a legendássá vált formációt Pink Floyd-nak. A dolog legfőbb érdekessége pedig az, hogy a két zenészt sosem ismerte, még csak nem is hallotta, csupán Blind Boy Fuller albumának ismertetőjében olvasott róluk: „Curley Weaver és Fred McMullen, Pink Anderson vagy Floyd Council – csak néhány azon blueszenészek közül, akik a piedmonti hegyekben, vagy a dús erdőjű völgyek patakjai mentén éltek.” Ez a mese egyszerre találgatnivaló és megmosolyogtató, nem igaz? :)

A csapat megalakulása után Syd gőzerővel vetette bele magát a szövegírás világába, és zsenialitásában rejlő elvakultsága már ezekben a korai időkben is megmutatkozott. Képes volt akár egy éjszakát is görnyedni az asztal felett, mire megtalálta a megfelelő riffet vagy rímet egy-egy versikéjébe, és lakásában állítólag emiatt sosem volt rend, és összegyűrt papírok hevertek szanaszét. A tagok már az első évben felfigyeltek énekesük páratlan kitartására valamint tehetségére, és amikor csak tudták, támogatták. Ugyanis előre látták azt: egy olyan zseniális fiatalemberrel van dolguk, aki nagy karriert csinálhat később nekik, a Pink Floydnak. És Barrett igyekezett is. Ez megnyilvánult abban, hogy nem csak a művészi dolgokban tört nagyra, hanem szívesen intézte a zenekar ügyeit is. Például 1966-ban első nagy érdemét azzal szerezte a többiek szemében, hogy sikerült menedzsereket találnia a csapatnak, méghozzá Peter Jenner és Andrew King személyében. 1967-ben pedig fel is vették Syd egyik első dalát, az Arnold Layne-t, amit az EMI tárt karokkal fogadott. A kiadó azonnal lemezszerződést kötött a Pink Floyd-dal.

Az első album felvételei többször megszakadtak, így nem 1967 márciusára, hanem júliusára lett kész. Ennek oka az volt, hogy a szomszéd stúdióban épp a Beatles vette fel legújabb dalait a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band című albumra, és a Pink Floyd tagjai többször megigézve nézték őket ahelyett, hogy saját munkájukat ápolták volna. De hát ezt igazán meg lehet nekik bocsátani, mert akkoriban ha a helyükben lettem volna, én is szaladtam volna egyből át a szomszédba Lennonékat hallgatni és figyelni. Miután a Piper at the Gates of Down megjelent, egyből a hatodik helyen nyitott Angliában, ami bőven elég volt ahhoz, hogy felfigyeljenek a kezdőnek számító Pink Floyd-ra. A lemez az amerikai slágerlisták után a nemzetközi eladásokra is felkerült. Egyre előkelőbb helyre, és itt kezdődtek Barrettel a problémák. Az énekes ugyanis nem tudta feldolgozni a hirtelen jött népszerűséget, és nagy nyomással ránehezedő mentális problémákat az LSD-vel próbálta orvosolni. És ekkor elkezdődött egy folyamat, amitől a zenekar tagjai már előzőleg is féltek: tehetséges alapítótagjuk, a banda oszlopos tagja elindult egy lefelé tartó lejtőn, amiből nem tudott többé visszafordulni.

A drogok hatására az énekes viselkedése egyre kiszámíthatatlanabb lett, ami rányomta bélyegét a közös próbákra és fellépéseikre is. Volt olyan, hogy teljesen belőve állt a színpadra, és míg a többiek tették a dolgukat, ő csak egy helyben nézett maga elé a két órás koncerten. Roger Waters pedig azt is nyilatkozta később a Rolling Stone-nak, hogy Syd mintha játékszerként kezelte volna őket. Az egyik legextrémebb szokása például az volt, hogy végig ugyanazt a hangot játszotta a színpadon, amin úgy tűnt, a közönség roppant jól szórakozott, azonban a banda többi tagját istenesen összezavarta. A hatvanas évek végén pedig egyik koncertjük előtt nem csak hajzselét, de Mandrax tablettát is kent a hajára, ami a reflektoroktól szépen leolvadt a koncert közben, és miközben ráfolyt az arcára, úgy nézett ki mint egy zombi. Ez az olvadós jelenet egyébként a Pink Floyd The Wall című filmjében is megjelenik. A tagok sokáig toleránsak voltak Syd-del, azonban egy 1968-as próbán végleg betelt a pohár náluk. Miután Syd belőve érkezett, egy új dal ötletét mutatta meg a többieknek. Azonban lehetetlen volt vele elpróbálni a dalt, mert mindig máshogy játszotta, és miután a csapat hatodik nekifutásra sem tudott közös dülőre jutni vele, búcsút intettek Barrettnek. Ugyanezen év áprilisában pedig már tudatták is a sajtóval, hogy a zűrös Barrett többé nem tagja a Pink Floydnak.

Miután Syd kivált a Pink Floydból, egy zűrös korszak vette kezdetét életében, ami egészen 1972-ig tartott. Barrett ezen időszak nem szólt másról, csak a káoszról és az örök rendezetlenségéről, ami dalaiban és életében is megnyilvánult. Miután az EMI-től átpártolt a Harvest Records-hoz, két érdekes szólólemezt hozott össze, amit a kritikusok és a közönség a mai napig nem tud hová rakni. A The Madcap Laughs és a saját nevével fémjelzett Barrett csúfos bukás volt számára. Ennek tetejében pedig számtalan bírálat érte produceri stílusa miatt is, ugyanis sokszor szeszélyesen viselkedett a zenészekkel, és ok nélkül kiabált, valamint kötekedett velük. A fene érti ezt a Barrettet!

1968 és '72 között az énekes-gitáros és dalszerző már csak nagyon kevés fellépést vállalt el. 1970-ben a rádióban hallhattuk, amikor is John Peel Top Gear című műsorában öt dalt adott elő a hallgatóknak, amikből  azonban csak egy jelent meg korábban. Később hármat újra felvett az újra kiadásra kerülő Barrett albumra, a másik pedig kizárólag Best of albumán jelent meg. A lemezzel az énekes turnézott is 1970-ben, ahol a fellépéseken a helyére került új Pink Floyd tag, David Gilmour kísérte Shirley-vel kiegészülve. Sőt, ők játszottak Syd egyetlen koncertjén is ebben az évben a londoni Olympia Hallban. Azonban a műsor érdekes véget ért. Barrett örök kiszámíthatatlansága itt is a felszínre tört, ami abban nyilvánult meg, hogy fél óra után udvariasan letette gitárját, és távozott a színpadról. A fellépés után bő egy évig pedig azt találgatta az angol média színe-java, mi van a Pink Floyd egykori frontemberével. Ugyanis Syd ezután már nem hallatott több hangot magáról. A művész a drogok rabja lett, ami teljesen aláásta alkotói tehetségét. Majd LSD-túladagolásban, 2006. július 7.-én távozott az élők sorából. Béke poraidra, Syd Barrett!

Don Airey - egy billentyűs portréja

Ha sorra vesszük a rocktörténet legendás együtteseit, mindig a frontember ugrik be először. Ha azt a nevet mondom nektek, Don Airey, jobb esetben minden valamit magára adó hallgatónak a Deep Purple jut eszébe. Emberünk lassan négy évtizede a pályán van, de a fent említett legendás formáción kívül számtalan zenekarban fordult már meg. Több mint 250 albumon és számtalan koncerten volt vendégzenész, mostanában pedig a Purple mellett szólóban is játszik. A Rockblokk portré mai főszereplője Don Airey, akit lehet kritizálni, egyvalami azonban kétségtelen tény: emberünk ritka sokoldalú zenész.

Don Airey 1948. június 21.-én látta meg a napvilágot az angliai Sunderlandben. Már gyermekkorában is nagyon érdekelte a zene, ami abban nyilvánult meg, hogy folyton a Beatles lemezeit hallgatta, és a rock n roll nagyjait tartotta példaképének. Mint minden későbbi nagy zenésznek, neki is az volt az álma, hogy egyszer híres lesz. 13 éves volt, amikor megkapta élete első billentyűs hangszerét, amin autodidakta módon tanult meg játszani, ugyanúgy, mint a zsenik túlnyomó része. (Lásd: John lennon, Bonamassa). A Deep Purple tagjaival 1968-ban ismerkedett meg 2002 óta pedig ő van Don Lord helyén a legendás rockbandában. De ha már itt tartunk, kitérnék egy kicsit magára a Deep Purple-re is. Például egyből kezdeném egy érdekességgel: azt kevesen tudják, de megjegyezném, hogy ez a zenekar eredetileg nem Deep Purple néven futott. A felállás ugyanaz volt, de a csapat az első évben még a Roundabout névre hallgatott. 1969-ben vették fel a Deep Purple nevet, és még ebben az évben megjelentették bemutatkozó albumukat. Rod Evans, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Nick Simper és Ian Paice mindent beleadott, azonban a Deep Purple című korong nem aratott nagy sikert. Amerikában mindössze az eladási listák 162. helyére volt elég, amely kiábrándítóan rossz eredménynek számított. Azonban a fiúk nem adták fel. Sorra adták ki legújabb albumaikat, és folyamatosan turnéztak Amerikában, ami végül meghozta gyümölcsét: A Deep Purple egészen napjainkig a korszak egyik kultzenekarává nőtte ki magát. És ezt a sikert viszi ma tovább Don Airey, aki 2002-ben felváltotta Jon Lordot. Az utóbbi tíz évben már nem csak a turnékon láthatjuk őt, hanem közreműködött az új évezred ütős Deep albumain is. Gondolok itt a Bananas korongra és a Rapture of the Deep-re. 

És hogy mit csinált a zenész a Purple előtt? Nyomta már szólóban, megfordult számtalan együttesben, több projektbe besegített, egyvalamit azonban sosem tett: mégpedig azt, hogy megpihent, és ebben nagyon hasonlít tegnapi hírem főszereplőjére, Bonamassára. Amikor arra határoztam el magam, hogy számba veszem Airey pályafutását a Rockblokkon, sokat gondolkodtam, hol is kezdjem el, mit említsek meg és mit ne. Aztán az adatokat összegyűjtve végül úgy döntöttem, leírk róla mindent, ami az elmúlt harminc évben a nevéhez fűződött, mert egy zenész csak a teljes életművével lehet hiteles olvasóm előtt. Kezdjük a hetvenes évekkel. Don Airey nevét 1972-ben ismerhette meg a világ, amikor a Cozy Powell Hammer nevű csapatban zenélt, ami nem volt hosszú életű, de bizonyos ismertséget sikerült meghoznia a zenésznek. Az igazi áttörés 6 évvel később jött meg, amikor a Balck Sabbath tagjai között tűnt fel. A billentyűs közreműködött Ozy-ék 1978-as Never Say Die nagylemezén, amiről elismerően nyilatkozta a kritikusok, és a rockzenei szakírók külön kiemelték Airey nevét az albumon. Később a Rainbow együtteshez pártolt át, ahol Ritchie Blackmore-ral játszott együtt, majd Gary Morre-nak is besegített első szólólemeze, a Back on the Streets munkálataiba.

Airey a 80-as években sem hazudtolta meg magát. Sikert sikerre halmozott, és olyan agy sztárokkal dolgozott együtt, akiknek akkoriban a legtöbb zenész még csak a közelébe sem mehetett. Segítette a háttérből Ozy szólókarrierjét, 1987-ben pedig a Whitesnake albumán működött közre. Egy évvel később megfordult a Jethro Tull-ban is, majd a Judas Priest Painkiller albumán is kivette a részét jópár szerzeményből. Majd jött pályájának egyik csúcsa, az Andrew Lloyd Webberrel való közös munka. Végignézve a felsorolást, remélem sikerült az olvasóimnak is szemléltetnem, hogy a zenei világban nem nagyon volt olyan stílus, ahol a Deep Purple billentyűse ne kalandozott volna egy kicsit. A zenész mozgalmas múltjához azonban ma sokan nyugodt jelent társítanak. Ez azonban csak feltételezés, mert Airey nem állapodott meg véglegesen: amellett, hogy a Deep Purple billentyűse, számos igényes rockzenekar lemezén is közreműködik folyamatosan turnézik szólóban.

A sok munka mellett pedig igazán elismerésre méltó, hogy szólólemezekre is marad ideje. Legújabb albuma például igazi belevaló hard rock lemezre sikeredett, a kritikusok pedig már azt suttogják róla, hogy tanítani kéne a feltörekvő rockzenészeknek az anyagot. A 2011 augusztusában megjelent All Out már a harmadik saját készítésű anyaga, melyen nem akármilyen vendégzenészek játékát hallhatjuk: Joe Bonamassa, Bernie Marsden és Don testvére, Keith Airey mind hozzájárult ahhoz, hogy a billentyűs emlékezetes dalokat hozzon össze, és megmutassa: cseppet sem járt még le az ő ideje. Az új album elkészítésénél Airey olyan klasszikus zeneszerzők műveiből merített inspirációt, mint Mozart, Bach vagy Sztravinszkij. Nem véletlen, mert a zseni eddigi szólóanyagait is végighallgatva mindenki rájöhet: emberünk az összes dalban arra koncentrál, hogy átadhassa egyéni játékát a közönségnek, miközben a klasszikus szerzők műveinek kompozícióit formálja át magáévá. Az már csak plusz, hogy mindet úgy teszi, hogy a rock motívumai se szoruljanak háttérbe. A fent említett példára úgy gondolom elég felhoznom csupán egy dalt, ami nem más, mint Hendrixtől egy feldolgozása, a Fire. Ha valakinek felkeltettem figyelmét, és élőben is meg akarja hallgatni Airey-t és aktuális albumának dalait, van egy jó hírem: megtehetik, hiszen az egykori Deep Purple tag szeptember 23.-án az A38 hajón csap a billentyűk közé! Reméljük, ott is hozza majd a formáját! Így tovább, Don Airey!

Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Design by Free WordPress Themes | Bloggerized by Lasantha - Premium Blogger Themes | Dcreators